Как стать художником нового образца?

27.06.2014

Преподаватель кафедры истории культуры ГФ НГУ Максим Викторович Прокопьев окончил гуманитарный факультет НГУ (отделение истории), Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина, а также аспирантуру Новосибирской государственной архитектурно-художественной академии (НГАХА). Предмет его научного интереса – развитие живописи в Сибири в первой трети ХХ века.

В 2010 году Максим Викторович совместно с Владимиром Викторовичем Тоцким создал школу академического рисунка и живописи «Эйдос».

Об академическом рисунке и эпатаже, а также о сибирской живописи, которой вроде бы и нет, состоялся следующий разговор.

Академический рисунок как инструмент профессионала

– Академический рисунок – это максимально подробный разбор формы посредством знаний анатомии, перспективы, света, тени, которые позволяют сделать очень подробную штудию (набросок – прим.) живой натуры.

У академического рисунка европейские корни, но и в России были представители «академизма» – К. Брюллов, А. Иванов. Последовательно академический рисунок преподавался в Академии художеств (Институт имени И. Е. Репина).

– Для чего нужен академический рисунок?

– Любое художественное произведение создаётся по следующей схеме: сначала есть идея, а потом её реализация.

Академический рисунок – это один из инструментов, который позволяет художнику отразить свой внутренний мир и создать художественное произведение.

– В XX веке развитие модернизма позволило многим художникам и знатокам живописи усомниться в необходимости академической школы. Чем были вызваны эти сомнения?

– Сухостью и чрезмерным следованием традиции. Люди считали, что рамки, создаваемые «академизмом», не позволяют им выражать собственное видение, отражать окружающую их сложную действительность, и поэтому они обращались к поиску нового, зачастую утрируя отрицание старого.

Каждая новая эпоха опирается на предыдущие идеи, но, вместе с тем, отрицает их, потому что меняются либо потребители искусства, либо духовные традиции.

Например, древние греки по-своему интерпретировали древнеегипетские каноны: они взяли идею, проанализировали её, развили и получили нечто новое.

– Когда в мире стал возрождаться интерес к академической живописи?

– Апелляция к академическому, классическому и, я бы сказал, античному методу работы с натурой, поиск в ней идеала и тщательное её исследование в течение веков проявлялись многократно: то возникал интерес, то угасал – каждый раз на новом витке.

В Риме опирались на классическое греческое искусство. В конце «Тёмных веков» опять возник интерес к классическому, только уже римскому искусству. Это Каролингское и Оттоновское возрождения – обращение к античным традициям – римским, греческим. Средние века – и Возрождение! После Ренессанса барокко, рококо – и опять классицизм. Открытие подлинной античной живописи в Помпеях способствовали всплеску этого интереса...

Сейчас культура постмодерна – это отрицание-отрицание-отрицание. Дошло до того, что необходимо просто внести долю профессионализма. В противном случае, отрицается сам предмет искусства, то есть искусство как таковое перестаёт существовать. И это та крайняя точка, от которой должен, на мой взгляд, начаться обратный отсчёт.

– И всё-таки у «академизма» есть будущее в среде новаторов?

– Академическое искусство – это не только изображения на библейские и античные темы.

Академический рисунок нужно воспринимать в первую очередь как инструмент, который позволит художнику выразить то новое, что он хочет.

В современном искусстве во главу угла ставится самовыражение (неважно, какими методами и способами), которое уже перестаёт вообще иметь отношение к искусству.

Фонтан Марселя Дюшана – что это? Это искусство? Наверное. Но в чём искусство? В новизне! А новизна в какой-то момент обязательно перестанет быть таковой и начнёт утомлять зрителя.

На выставки современного искусства сейчас ходит гораздо меньше людей, чем на выставки реалистической живописи, которая ещё с начала 2000-х годов в европейских галереях стала стоить дороже, чем некоторые образцы современного искусства.

Для новаторов главное – эпатаж. Если у массового потребителя нет интереса к их произведениям, нужно как-то заинтересовать зрителей, привлечь их внимание.

Пользоваться кистью и красками может практически любой – для этого не надо быть художником. В современном искусстве стирается потребность в мастерстве, и за счёт этого, на мой взгляд, инструментарий художника, который хочет что-то донести до зрителя, становится очень бедным: ему нечем выражать свои мысли, и остаётся лишь одно средство – какой-нибудь акт интеллектуальной агрессии.

Лишь понимание, знание методов, которые были наработаны в течение многих столетий, их использование для решения новых, возникших задач позволяет современному автору стать художником нового образца.

Например, новаторски использует академический рисунок и академическую живопись питерский художник Николай Блохин. После окончания Академии им. И. Е. Репина он остался преподавать на кафедре академического рисунка. Но известен он отнюдь не рисунком, а живописью. Это дорогой портретист, его работы были удостоены Гран-При международного конкурса Американской ассоциации художников-портретистов в музее Метрополитен (Нью-Йорк) в 2002 году и приза Best of Show конкурса Общества художников-портретистов США в Бостоне в 2004 году. Он досконально прописывает лицо, руки, какие-то фрагменты и обобщённо, легко, широко – сам портрет. Эту манеру нельзя назвать академической, скорее импрессионистической. Художник работает в «Фешинской манере», но без академического рисунка, лежащего в основе, никак не обойтись.

Такое искусство, на мой взгляд, ценится высоко, потому что это профессионализм: богатство умений и навыков художника, огромный объём знаний цвета, света, их взаимодействия, линий, графических и живописных средств. Причём, художник не только обладает этими знаниями, но ещё и может воплотить свой художественный замысел на холсте.

Николай Блохин. Танцовщица

Николай Блохин

Сибирская живопись: стиль это или не стиль?

– Уместно ли говорить, что в Сибири есть свой сибирский стиль?

– Традиционно считается, что он есть. О нём говорят и пишут, на него ссылаются.

Но, мне кажется, сибирского стиля всё-таки как такового нет. Есть манера, общая для сибирских художников, специфика.

– Когда стала появляться сибирская живопись?

– До начала XIX века в Сибири, можно сказать, своей сибирской живописи не было. Отдельные художники, конечно, работали здесь (Павел Кошаров, Александр Мако), но всё-таки само появление сибирской живописи следует рассматривать с начала XX века.

Тогда в Сибирь в поисках колониальной романтики поехало большое количество художников: кто-то, правда, был сослан, но, в основном, люди – выпускники Академий художеств – приезжали сами. Работали они, в первую очередь, конечно, в Томске. Томская губерния занимала практически всю территорию Западной Сибири – в том числе, части нынешних Кемеровской и Новосибирской областей, Алтайского края. Культурным центром был Томск.

– Какие художники тогда приехали «за колониальной романтикой»?

– Елена Мако-Тюменцева, Митрофан Поляков, Семён Прохоров, Лидия Базанова, Сергей Голубин, Владимир Вучичевич-Сибирский, Вильгельм Лукин...

Все они поработали здесь какое-то время – а дальше кто-то умирал, кто-то уезжал. В среднем художники находились тут не более десяти лет. За это время, мне кажется, сибирский стиль выработаться не мог.

– Но какие-то особенности в нём всё-таки есть?

– Есть четыре основных пункта, которые характеризуют сибирскую живопись.

Первое – некая «этюдность».

Второе – интерес к инородческому (местному) населению.

Третье – доминирование пейзажа.

Четвёртое – сдержанность цвета (работы во многом монохромны).

Стиль это или не стиль?

Любовь к инородческому населению была характерна и для Европы, и для Центральной России. Нельзя сказать, что это сибирская особенность.

Пейзажи и этюдность объясняются тем, что у многих художников не было своих мастерских, они работали с натуры.

И почти у всех художников встречаются маки – у Прохорова, Базановой, Чороса-Гуркина. С чем это связано? Не хватает цвета! Колорит Сибири суровый, сдержанный.

– Кого бы Вы назвали представителем собственно сибирского стиля?

– Мне кажется, что сибирский стиль можно выделить только у одного художника – у Чороса-Гуркина. Как представитель алтайского народа, учившийся у Шишкина и Киселёва, он глубоко воспринимал культуру местного населения, интерпретировал её, пропускал через свои знания академической живописи – и создавал не просто этюды, а живописные художественные произведения. Например, в его картине «Озеро горных духов» выражены мифологические представления алтайского народа о духах, живущих в горах, на этом диком озере.

– Какие яркие представители сибирской живописи есть в Новосибирске?

– Например, блестящий колорист Владимир Иванович Копаев, 1925 года рождения. Всю жизнь он преподавал и, только выйдя на пенсию, начал заниматься живописью, творчеством.

Анатолий Николаевич Никольский – представитель сдержанной, монохромной живописи: жемчужно-серые цвета, колорит, построенный на нюансах.

Из художников Академгородка можно назвать Николая Васильевича Шагаева, который был единственным учеником Чороса-Гуркина. Основные его работы были вывезены за границу: один представитель из Финляндии скупил очень большое количество его живописных этюдов. У нас картины Шагаева есть в коллекции Дома учёных.

– Существуют ли проблемы в развитии сибирской живописи?

– Безусловно.

Сибирские художники, как правило, заглядываются на центр. Часто на выставках видно, что они пробуют подражать тому или иному мастеру. Наблюдается дискретность, отсутствие собственной манеры.

Художник ищет себя и не всегда находит. Может быть, ему не хватает опыта, и он не знает, что писать. Влияет на это и отсутствие художественной среды, в которой бы художники могли получить ответы на интересующие их вопросы. Как следствие, возникает ощущение периферийности, провинциальности. Многие хотят поехать за границу, пожить и поработать там и, приехав сюда, делать выставки уже в качестве зарубежных художников, например, жителей Швейцарии. Им кажется, что тогда возникнет спрос на их живопись: ах, конечно же, это художник, зарекомендовавший себя в Европе! Но это спорный приём.

Беседовала Анастасия Грасмик